Уважаемые! Дошёл наконец-таки до выставки «Музей Сергея Курёхина: Прототип #3», собственно, в одноимённом ЦСИ. Продлится она до 1 сентября, так что время у вас ещё есть, сходите.

Контекст посещения, чтобы вы понимали: началось всё с того, что, когда я пришёл, а я был единственным посетителем, администратор начал включать свет и видео инсталляции, телевизоры и экраны, словом, подготавливать её прямо при мне, проговорив, мол деньги им нужно экономить. Это, конечно, комичная ситуация сама по себе, но ведь по сути о многом в наше время говорит.

Как оказалось, денег-то у них и правда нет, иначе не знаю, как объяснить тот невнятный ужас, который я испытал от конкретно выставочной работы. Мне совсем неясно, что сподвигло кураторов выставлять в одном помещении сразу три муз. инсталляции. Какой-то в никуда путь.

Вот, например, работа Сергея Филатова, где в описании чётко прописан медитативный характер муз. партитуры, которого как бы и не достичь, когда сзади его заглушает звучащая пастораль от соседнего арт-объекта. Как по мне, можно было хотя бы свести этот абсурд к взаимодействию между инсталляциями и прикрыться этим, но и этой попытки не чувствуется. Работы сами по себе абсолютно самостоятельны и самодостаточны, а в итоге получается невнятно и сумбурно.

Кстати, в соседнем помещении подобная проблема с видеозаписями о самом Курёхине, но там, конечно, не так сильно это влияет на материал, хотя и раздражает порядочно.

Сама же выставка в лучших традициях Поп-механики с таким точно тотальным посылом показать всё. В историко-ностальгической части, посвященной Курёхину – афиши, костюмы и декорации с выступлений, фотографии, видеозаписи концертов, док. фильм. И, кстати, очень неплохая подборка вышла, достигается необходимое понимание того, насколько широк не только художественный, но и культурный пласты, с которыми работал автор. У выставки в принципе есть потенциал, потому что подобного у нас в стране я не припоминаю, а о Поп-механике знать полезно, ведь кто только там не участвовал в своё время.

Экспозиция с современным искусством была вполне себе комфортной, без излишеств – скульптуры, инсталляции, картины, а ещё медиа-объекты, о которых, собственно, и хочу отдельно сказать. Вот те самые убитые пространством работы Сергея Филатова сами по себе очень хороши, так что поместить бы их в отдельное пространство, тогда и должного эффекта медитативного достичь бы удалось. Тем не менее, его работы не ограничиваются этим: автор работает с нетипичными даже сейчас формами создания музыкальной партитуры, что как бы и не ново, но прекрасно работает в данном случае.

В общем, петербуржцы, сходите – это не пустая трата времени, сами оцените. Качественно подобран материал, отражающий совершенно разные аспекты, как форм искусства, так и способов его подачи, чего, я думаю, и добивался в своё время Курёхинский бэнд, так что дерзайте.

#выставки #центркурёхина #сергейкурёхин #попмеханика

Не смогу что-то дельное и глобально новое сказать про Лемана, его книгу и постдраматический театр в принципе, но и выгружать прочитанное без какой-либо аннотации – неверно, если уж взялся за популяризацию.

Поэтому прикрепляю пару ссылок четырёхлетней давности от более компетентных исследователей.

Как минимум, если и не дойдёте до книги, то вот её ознакомительный фрагмент на Colta.ru: https://goo.gl/hZWU1c

«Как взрослеет искусство» – прекрасный текст Марины Давыдовой, опубликованный там же: https://goo.gl/wnMZk6

По этой ссылке комментарий Натальи Исаевой, учёного и переводчика книги, для журнала «Театр.»: https://goo.gl/Un5i3t

#книги #леман #постдраматическийтеатр

Дочитал не столь давно прибывшую в ряды русских изданий книгу Марты Грэм «Память крови. Автобиография», которая вышла в рамках совместной издательской программы Музея современного искусства «Гараж» и Artguide Editions.

Прежде всего, запустить целую серию книг о современном танце – грандиозное популяризаторское событие, потому что на русском языке, о чём и говорят издатели, значительный недостаток подобной литературы. О влиянии культурного и художественного пластов двадцатого века и говорить как-то бессмысленно, его значение преувеличить трудно, так что просто стоит понимать, что всё это необходимо и важно.

Собственно, книга сама по себе выполнена прекрасно: дизайн, вёрстка, фотографии выступлений и личной жизни – всё составлено очень качественно, так что по возможности полистайте хотя бы.

По содержанию главными в понимании для меня стали два момента, которые стоит проговорить, потому что некоторым они могут показаться значительно вульгарными: романтизм и эротизм.

Суть первого в том, что текст, транслирующий жизнь Марты Грэм с её же собственных слов, выходит предельно романтизированным, несколько сказочным, потому что именно в таком ключе она воспринимает свою жизнь. Иногда это было сложно читать, но в целом же просто свыкаешься, потому что это важно для понимания её как личности.

«Зрители ничего в нас не бросали, хотя я ожидала, что из зала на сцену что-нибудь полетит. Но их неодобрение было столь безжалостным, что я резко повернулась к ним. Я подняла руку, и зал затих. Моя рука обладала способностью прервать их одним движением. Я сказала им шепотом: «Прекратите. Я овладею вами».»

Второе сводится к тому, что эротизм как понятие является неотъемлемой частью танцовщицы в восприятии мира, о чём убеждаешься на протяжении всей книги. Звучит, кстати говоря, вполне убедительно и весело. Вот, например, интересные цитаты, вырванные из контекста:

«Меня забавляет, что мою школу в Нью-Йорке прозвали «Домом откровений таза», потому что очень много движений исходит из толчков тазом или потому что я могу сказать студентке: «Ты просто не двигаешь своей вагиной». Когда я ставила балет «Развлечение ангелов» для выпускного в Джульярдской школе, один из членов труппы сказал мне, что уходил с репетиции с мыслью, что Труппа Парты Грэм – единственная танцевальная труппа в Америке, в которой мужчины страдают завистью к вагине»;

«Что касается секса, я считаю, что он прекрасен. Не знаю, какова была бы жизнь без секса. Я не верю в танцы голышом на сцене. По мне, это скучно. В сексе есть определённая красота, которую можно передать только через эротизм. Мне нравится красота тела, и я получаю удовольствие от того, что оно говорит нам о жизни. Поэтому я не отрицаю секс. У меня нет на то причин. Я лишь прославляю его красоту. Только скрытые вещи непристойны.»;

Ещё Марта вбрасывает множество просто хороших рассуждений:

«Надежда – разлагающая, разъедающая вещь. Она, думаю, зависит от личной воли. Вера кажется принятием более широкого взгляда на вещи с менее выраженным личным отношением. Вера необходима, надежда – нет. Думаю, что принятие существования общего узора жизни, оно же вера, погружает человека в состояние благодати, независимо от отчаяния или страдания. Мне кажется, что благодать не может возникнуть, если есть надежда, конкретная надежда».

Вербальный текст, конечно, гораздо проще в прочтении, чем, например, её же постановки, поэтому для знакомства очень даже хорошо. Хочу в ближайшее время пересмотреть записи её работ, чтобы понять, повлияло ли.

Если что, вот фрагмент книги для ознакомления, лежащий на Кольте: http://www.colta.ru/articles/theatre/14745

А вот большой и нужный текст @westsidestory, которая, кстати, является составителем и научным редактором серии GARAGE DANCE: http://nofixedpoints.com/marthagraham

#книги #мартагрэм #памятькрови #garage

#книги #айседорадункан #танецбудущего

Вслед за Мартой Грэм прикрепляю текст более включённой в русский контекст танцовщицы – Айседоры Дункан.

Опять-таки проще становится понять, что стоит за свободным танцем. Пассажи про вечное «греческое искусство», связь с природой, «движение Вселенной» и, собственно, танец будущего, такой, каким его представляет она.

Файл дореформенный, так что читать его сложно из-за обилия твёрдых знаков, поэтому есть тот же самый текст на сайте @westsidestory: http://nofixedpoints.com/the_dance_of_the_future

Если будет интересно, то вот ещё большой материал об Айседоре Дункан: http://nofixedpoints.com/isadora

#книги #айседорадункан #танецбудущего

Вчера прочитал «Чёрную коробку» Павла Пряжко, а сегодня отсмотрел читку и обсуждение этого текста с прошлогодней Любимовки.

О чём это: герои, живущие в 2016 году, оказываются снова в 1986, когда учились в советской школе-интернате, отчего возникает вопрос – как встраиваться в подобную старую-новую систему?

Как это: тотальный лаконизм с минимумом оборотов, авторской пунктуацией и близостью к разговорной речи, в чём настоящий Пряжко.

Вообще, текст самостоятельный, цельный и законченный, но при этом автор не проговаривает ничего прямо и ясно, оставляя всё на откуп читателям и зрителям. Всё настолько открыто, что каждый код оказывается индивидуально понятым. Там про время, свободу, историю, подчинение, систему, её механизмы и тд. – каждому своё.

Самое интересное, что нет открытой критики режима и политики, никакого выпада в сторону идеологии, но некое противоречие считывается в самой абсурдности ситуации и в том, как герои воспринимают её, действуют в её рамках.

Видеозапись читки, конечно, снята самопально, но уж лучше так, чем никак: https://www.youtube.com/watch?v=OBH0d1Gc5kc

А вот обсуждение, которое реально стоит посмотреть, хотя бы ради пары слов самого автора: https://www.youtube.com/watch?v=YaXwgDdkQZw

#книги #читка #павелпряжко #чёрнаякоробка

И хотя прошло полтора месяца с Open Look’а в Петербурге, прояснить некоторые моменты хочется до сих пор, поэтому выскажусь. Вот, например, об «Абсурдии» от Szeged Contemporary Dance Company (Hungary).

Прежде всего, реверанс Роберту Уилсону, потому что именно с ним я проводил все ассоциации на протяжении спектакля. Но это сравнение абсолютно мимолетное, никак не связанное с визуальным театром уж точно, но, думаю, вполне резонное на уровне некоторых идей и принципов работы. Становится ясно, почему у Уилсона всё работает, а в «Абсурдии» нет.

Вот что написано в анонсе: «Спектакль открывает нам мир и взаимоотношения жителей Абсурдии, воображаемой европейской страны». Именно тут, думаю, и кроется губительная ошибка в попытке создать одноимённую вымышленную сказочную страну, существующую, однако, в рамках привычной для нас реальности, в Европе.

Конечно, интенция на этот счёт ясна: рассказать о «проблемах, с которыми мы очень хорошо знакомы», приблизить происходящее к действительности, тем не менее, оставаясь в рамках какой-то неизвестной ранее структуры, где, по факту, есть широкий простор для работы, интерпретации, создания чего-то своего, крутого и бескомпромиссного, но нет.

Вся суть в том, что оставленные и в постановке, и в её описании конкретные образы, связанные с реальностью (очертания города на декорациях и тд), разрушают всякое стремление принять Абсурдию в качестве отстранённого, параллельного мира, который не встраивается в привычную систему. Она остаётся лишь пародийной версией реальности, куда набросали всё, что можно и получилось никак.

Вот тут и можно вспомнить Уилсона: в работах он создаёт герметичную среду, не похожую ни на что, определённую «эстетическую вселенную» (со слов @apollonia), функционирующую свободно и абсолютно легитимного, при этом не устраивая карикатур. В случае же с Абсурдией авторы, получается, нарочно оставляют некоторые входы для соединения с реальностью, чем попросту разрушают всё.

С точки зрения идеи, хореография тоже конкретно провисает. Опять же, в чём уникальность Уилсона: движение в его работах выстраивается отличным от действительности способом, от чего, в частности, и создаётся ощущение закрытого пространства постановок. В нашем случае, хореография, собственно, как и мимика, эмоции персонажей выражаются максимально гипертрофированно, вульгарно, вычурно и надрывно, будто абсурд – это вот только так. Абсолютно топорный подход, который и загубил всё.

Наконец, вот фотографии ( https://goo.gl/goHcjH ), где прямо-таки белая кожа, свет позади. И посмотрите на мимику, корячатся, конечно, удивительно.

#спектакли #абсурдия #openlook

Удалось отслушать «Сверлийцев», но только заключительную часть Владимира Раннева, так что не знаю особо, как к этому относиться, не имея общего представления.

Хотя в любом случае это очень круто сделано и исполнено, но опять-таки сделаем поправку, что ни самого спектакля, ни остальных частей я не знаю. Радует, что такая масштабная вещь в принципе получилась и, ну вот по музыке Раннева, получилась интересной.

Так или иначе это просто качественная и продуманная работа, а не какой-то проходной материал, отчего опера звучит наполнено и не вызывает у меня каких-то противоречий на производственном уровне. Это просто хорошо.

Абсолютно всё, что я видел, как фотографии костюмов и сценографии, музыкальная партитура и режиссура, так и записи лекций, встречи и обсуждения были сделаны с толком, без ухода в какую-то чрезмерную карикатурность, куда реально можно скатиться при работе с таким материалом.

Вот не очень понимаю, как здесь выстраиваются отношения текста/музыки, потому что элементарно не разбираюсь во всем, что есть музыкальная партитура, но есть статья с мнениями самих композиторов на этот счёт: http://www.colta.ru/articles/music_classic/7883

#спектакли #опера #владимирраннев #сверлийцы

Поделюсь с вами тем, что вчера играл Московский Ансамбль Современной Музыки (МАСМ) в Новой Голландии, вдруг кто возьмётся отслушать.

Если что, записи не их исполнения, но материал сам по себе стоящий и важный. Представленные композиторы вне музыкальной среды не так известны, как, например, Филип Гласс или Джон Кейдж, которые, в частности, много сочиняли для кино, театра и танца. Тем не менее, фигуры знаковые и интересные, так что выкладываю, надеясь, что кому-то пригодится.

К тому же, можно хотя бы частично понять, с чем работает МАСМ, если никогда о них не слышали. Но вообще ансамбль исполняет не только зарубежную академическую музыку, как говорится, «от барокко до наших дней», но и отечественный муз. авангард вместе с произведениями современных российских композиторов.

Концерт мне чудеснейше понравился: было убедительно и сложно. Я не знаю, конечно, как всё это функционирует технически и теоретически, поэтому не могу достаточно точно оценить произведения, но слушать и наблюдать за исполнением элементарно приятно. Правда, кричащие дети и люди с едой немного разрушали атмосферу, хотя смотреть на них при этом было забавно, что скорее вопрос случайной аудитории и выбора пространства.

Прикладываю все записи, кроме «Manhatta» Майкла Наймана, потому что не нашёл.

1. «Coming Together» Фредерика Ржевски для чтеца и ансамбля: https://www.youtube.com/watch?v=RSuuwJFw4wU.

2. «Sweet Air» Дэвида Лэнга для ансамбля: https://www.youtube.com/watch?v=8c6txfrjB3Y

3. «Rebonds» Яниса Ксенакиса для ударных: https://www.youtube.com/watch?v=lF9pDIfEUtc

4. «947» Элвина Люсье для флейты и синусоидных волн: https://www.youtube.com/watch?v=t-29-P_VP7M

5. «Workers Union» Луи Андриссена для ансамбля: https://www.youtube.com/watch?v=ThawIrLywiY

#концерты #масм #союзрабочих

На Syg.ma, кстати, лежит расшифровка лекции Дины Хусейн в ЦИМе о партитурах современного танца, которую ещё на Open Look’е перед этим читали.

Так-то хорошо построенная лекция вышла с самой необходимой теоретической базой для тех, кто не в курсе: значение слова «партитура», её функции и задачи, виды, небольшой исторический кейс, а затем разбор конкретных работ конкретных хореографов.

Главное, мне кажется, понимать, что ни одна подобная лекция не может в полном объёме выразить все существующие практики, потому что мы говорим о живой, реальной деятельности, которая постоянно меняется и не имеет единственно верного способа выражения, иначе происходила бы простейшая архивация, уничтожающая саму возможность развития.

Именно поэтому подобные лектории и строятся, исходя из каких-то частных примеров, по которым можно элементарно понять сложность и многослойность системы, о которой идёт речь.

А вот прекрасная цитата, которая ставит всё на свои места: «Особенность перформативной партитуры в том, что если она хорошо сделана, то она сама по себе объект искусства». Только это не её особенность, а данность, которая присуща многим недооценённым реалиям, коей, например, является критика. Не стоит забывать об определённом акте творчества в них.

Вот расшифровка с фотографиями партитур и отрывками из спектаклей для лучшего восприятия: http://syg.ma/@arina-koriandr/partitury-liektsiia-diny-khusiein

#лекции #динахусейн #партитурывсовременномтанце

Недельный марафон театра «Практика» в Петербурге на исходе, поэтому самое время расписывать. У них, кстати говоря, теперь постоянная резиденция на Новой сцене Александринки, так что ждите следующих показов в январе.

«Пётр и Феврония Муромские» Светланы Земляковой – это тот самый случай, когда «музыкальный спектакль для всей семьи» становится не столько определением жанра, сколько констатацией приговора. Мне не ясно, конечно, куда это всё и зачем.

Повесть Ермолая-Еразма исполняется актёрами то нараспев, то декламацией, но происходит это нарочито придурковато, с помощью уже клишированных способов передачи текста. Так, например, актёры достаточно часто играли куски повести, переводя отдельные предложения на условно современный манер, что при данном тексте выглядело совершенно неуместно и вульгарно. По ощущениям – детский утренник.

Замечаю, что форсированная «семейность» в театрах с заметной периодичностью сводится к попытке угодить и детям / подросткам, и взрослым, что в конечном счёте выходит скупо и совсем не интересно.

Как по мне, подобные потуги конформизма, попытки представить объективную реальность, единственно верную иерархию ценностей уже не работают в театре, хотя и по-прежнему используются.

Единственная радость для тех, кто постарше – поющий Павел Артемьев, детская мечта и любовь каждой второй молодой мамы.

Так-то спектакль просто обычный, а я всё это не от недовольства какого, но от непонимания зачем.

Тут есть два отрывка в сети, можно сценографию посмотреть, да актёров услышать: https://goo.gl/dy5PFD и https://goo.gl/ZxUthz

Теперь чуть подробнее о «Чапаеве и Пустоте» Максима Диденко: трижды отсмотрел, трижды понравилось. О каждом действии скажу отдельно, потому что иной вариант убьёт всю суть.

Первое: музыкально-песенный концерт, эклектичный, будто по тексту Владимира Сорокина, но, в сущности, Пелевина. Культурных, философских и историко-политических пластов там много: гражданская война, религия, фольклор, К. Г. Юнг, русский быт, элементы народных костюмов – всё максимально эстетично смешивается, разрушается и пересматривается. Приём понятный, но, как по мне, хороший.

Каждая муз. композиция Ивана Кушнира работает по-своему: сложно, прозрачно непосредственно, часто абсурдно. Но главное, что за всем этим вызовом стоит правда крутой, лаконично препарированный текст. Не знаю, как там и что в романе, но выборка, попавшая в спектакль, чудесна.

Буду счастлив, если Максим Диденко выпустит первое действие альбомом в iTunes.

Второе было абсолютно текстуальным. Роман, чтобы вы понимали, 1996-го года, так что флёр 90-ых, конечно, прослеживается, но не мешает восприятию. Тут были диалоги о воздействии грибов и экзистенциально-религиозные разговоры в «мусарской» терминологии, что с точки зрения приёма не ново, но работает.

Обе части, кстати говоря, полны мотивов из привычных опусов Диденко: актёры двигаются в определённой манере, совершают точные действия, но тут это всё больше скрыто, второстепенно.

Третье действие - это прямой физический театр, где значительной частью были лишённые динамики движения. На меня эти медитативные паттерны не подействовали совсем, их было много, но как-то никак. Правда, действия, которые совершали актёры, напевая строчку из песни, растягивая её, выглядели круто – похоже на небольшое перформативное исследование о том, как изменяется интонация, редуцируется вербальный текст путём смены физического состояния человеческого тела.

Отдельным художественным пластом спектакля является сценография, похожая то ли на музыкальную студию, то ли на психбольницу, и эклектичные костюмы Гали Солодовниковой, которая выстраивает собственный визуальный образ спектакля. Невероятно красиво и эстетично.

Очень смешно, но на вилладж есть текст о том, откуда что в спектакле, к тому же пара фотографий качественных, так что прикладываю: http://bit.ly/2y5meKy

Пока у меня филологическая хандра, а Владимир Владимирович Раннев говорит о музыке эпохи барокко, почитайте тексты композитора Дмитрия Курляндского на сигме. Очень по-хорошему художественная эссеистика об искусстве, где, как по мне, количество ударных строчек на единицу текста – один к одному.

Много красивых предложений через дефис: «Территория искусства – безопасный полигон тренировки души»; «Кажется, функция искусства сегодня – разделять» etc.

Концептуальные названия, начинающиеся одинаково именем автора, кажется, предполагают хронологическое прочтение, но вертите, в сущности, как хотите:

1) «Дмитрий Курляндский: 1. Зачем искусство»: http://bit.ly/2yrfrea «об искусстве и другом»;

2) «Дмитрий Курляндский: 2. Я – сообщество»: https://goo.gl/7CmRW6 «о множестве целостностей и векторе на индивидуализацию в новом искусстве»;

3) «Дмитрий Курляндский: 3. Автор vs аватар»: https://goo.gl/UAbFA4 «об эмансипации автора»;

4) «Дмитрий Курляндский: 4. Искусство восприятия»: http://bit.ly/2ysbyG5 «о территории доверия»;

5) «Дмитрий Курляндский: 5. Радость узнавания»: http://bit.ly/2gdu5ez «о непонимании»;

6) «Дмитрий Курляндский: 6. Преодоление музыки»: https://goo.gl/FVz9rn «о форме и содержании»;

Сделаем вид, что текст о «Black&Simpson» Казимира Лиске приурочен к месяцу, прошедшему с просмотра, или, например, что это время – дистанция по отношению к трагической теме, что, впрочем, совершенно не важно. Спектакль по-прежнему идёт в репертуаре театра «Практика», так что смысл писать о нём есть. Вот, кстати, он: https://goo.gl/a7qwVY.

На показе в Петербурге – весь зал в слезах, а у меня в очередной раз возникают вопросы о честности документального, социального типов театра. Кажется, что почти беспроигрышно посредственность подобных спектаклей перекрывается трагизмом, драматизмом, простой трогательностью взятого материала. Условно транслируется: если не нравится, нет сопереживания, значит бессердечный; слышал лично. Об этом, кстати говоря, писал Камю в «Постороннем», чтобы вы понимали ссылку.

Такая ситуация и тут: не тронуло, но причина, как мне кажется, и есть в том, что дальше обозначения, наглядной репрезентации текста ничего не идёт.

Представим, что «ах» - это универсальная эстетическая категория, характерная для каждой отдельно взятой составляющей спектакля; своего рода реакция на конкретный приём. Мелкий редуцированный катарсис, но по отношению к деталям. Так вот в спектакле ни ах-режиссуры, ни ах-сценографии, ни, к сожалению, ах-текста. Всё решено средне, привычно, как бы не плохо, но обыденно.

Если доминантой выступала вербальная часть, то этого ах- не вышло. В чём суть: чтобы этично говорить про реальное-документальное и не надуманное, письма принципиально не обрабатывались драматургом, то есть не были сценически оформлены. Логично, как мне кажется, в таком случае поработать со всеми остальными составляющими, чтобы затушевать неработающие моменты, а на других, наоборот, акцентировать внимание.

В нашем случае, сделав упор на текст, не работающий в театре, сценография, аудиальные и визуальные пласты использованы минимально, сделав упор как раз на вербальную составляющую спектакля. Самостоятельной роли у них нет; их суть в иллюстрации и маркировании каких-то ситуаций: например, разговор об убийстве – подсветка красной пушкой и тд.

Проблема в том, что и приём, с помощью которого исполняется текст в первой части спектакля, оказался чрезмерно сложным: безусловно прекрасные Дмитрий Брусникин и Антон Кузнецов достают из конвертов письма, после чего зачитывают их с листа, будучи как возможными адресатами, так и адресантами прочитанного, отчего восприятия героев не происходило; пришлось самому выбирать, кто из актёров Шрёдингера кого играет.

Постепенно актёры начинают проговаривать текст, откладывая письма, после чего, конечно, спор о принадлежности ролей разрешается. Правда, моя изначальная установка оказалась не верна, пришлось перестраиваться.

Плохим спектакль назвать не могу, но сделано всё как-то не к месту; может быть, в других пропорциях и соотношениях всё бы и сработало, но не так. Выбирая между просмотром спектакля и чтением самих писем, однозначно, выбрал бы второе.

Для баланса: на «Black&Simpson» есть пара рецензий про «интеллектуальное исследование границ человечности»: http://bit.ly/2xKTwyV; про драму о «всепрощении»: https://goo.gl/iZLV2N. Всё это, конечно, присутствует, но непродуманность и хромающая реализация не позволяют выразить это.

#спектакли #казимирлиске #практика

Играть щемящий сердце драматизм, когда речь идёт об Освенциме – идейный мрак и безвкусица, что, судя по всему, понимают создатели спектакля. Я, если что, о «Человеке» Томи Янежича в БДТ, вот он: https://goo.gl/cJ5m1i.

Прежде всего, спектакль сохраняет дистанцию со взятой тематикой, прямо говоря, что никто из актёров по-настоящему не переживал концлагерей, что понятно. Отсюда фрагментарность нарратива и слом четвёртой стены – просьбы включить свет в зале, выход на сцену рабочих. Некая сюжетность, как путь от А к Б остаётся, но между ними есть образы, мотивы, работающие ассоциативно.

О задаче дистанции ("остранения") в искусстве читайте у Виктора Шкловского: «Воскрешение слова» и «Искусство как приём». Суть в том, чтобы разворачивать описание непривычным и странным путём для выведения читателя «из автоматизма восприятия».

Так и здесь некоторые моменты прямо доводятся до абсурда, как организованное «Кабаре Дахау» (Дахау – концлагерь: https://goo.gl/7RPj1R), где поют, танцуют и рассказывают анекдоты.

Вот два из них: «Сегодня первый барак моется, а топим вторым», «Знаешь почему евреи придумали танцы? Чтобы не работать», причём всё это хотя и вторично, но на контрасте с темой Освенцима работает.

Отдельное чудо – еврейская музыка и распевы, сохраняющие темпоритм и динамику спектакля; от них просто хорошо.

Похоже, БДТ совсем оккупирован Могучим, потому что четверть зала была пуста, а показывают его редко. Следующий – 8 декабря, билеты есть и будут, так что сходите – там конь на сцене.

"Триадический балет" Оскара Шлеммера, 1922 г.